'El botones', el mundo está loco, loco, loco

Hace poco nos dejaba uno de los grandes de la comedia en el séptimo arte. Jerry Lewis. Tras casi toda una década siendo la pareja cómica de Dean Martin —quien cierto nunca entendió que la gente prefiriera las payasadas de su compañero, lo cual provocó cierto distanciamiento entre ambos intérpretes—, y tras hacerse un lugar en la comedia a las órdenes de directores como Norman Taurog o Frank Tashlin, Lewis decidió dar el salto a la dirección con 'El botones' ('The Bellboy', 1960), película que Paramount quería despachar enseguida. El actor hizo un borrador del guion en ocho días y según la filmaba iba reescribiendo, cambiando continuamente la (no) historia.

Una historia que en realidad no existe, se trata de una serie de gags, o sketchs, alrededor de la figura de un botones de hotel —presentado como la figura más importantes del lugar— cuyas "gansadas", y otras que no son tanto, amenizan la función durante una hora y diez minutos. En un principio Lewis ofreció la dirección de la película a nada menos que Billy Wilder, quien le sugirió que debía dirigirla él mismo. Imagino que al ser un material propio, Wilder le hizo su recomendación, acertando de lleno con ello, porque Lewis no se convertiría en un mero traductor a imágenes de lo escrito, sino que innovaría hasta límites insospechados, sorprendiendo a propios y extraños con su habilidad detrás de la cámara.

El rey de la comedia - 15 minutos de fama

1966. El fotógrafo Nat Finkelstein estaba fotografiando a Warhol en 1966 para un libro que le había propuesto. Una multitud que se dio cita en el lugar intentaba retratarse en las fotografías y Warhol supuestamente remarcó el hecho de que todo mundo quería ser famoso, a lo cual Finkelstein replicó, “¡Claro Andy!, por quince minutos”.  En los 50 surgió en Estados Unidos la televisión, un medio global donde una persona anónima podía tener esos 15 minutos de gloria. Pero esos 15 minutos también hablan de lo efímera que es la fama. Actualmente, con el auge delas redes sociales esa expresión podría convertirse: "En Internet, todo mundo será famoso para 15 personas".  Y viniendo al caso con 'El rey de la comedia', uno simplemente tiene que preguntarse que haría un hombre como Rupert Pupkin a día de hoy con las redes sociales. Todo el mundo es ahora una estrella en su propio pequeño mundo. Un planeta lleno de 'Pupkins'.

Sucedió una noche – Un viaje alocado

En los años 30 y 40, las comedias se llenaban de herederas fugitivas y periodistas traviesos que se enamoran de ellas, de relaciones más bien que se basaban en un tira y afloja constante. Pero pocas películas logran capturar la chispeante química formada entre Clark Gable y Claudette Colbert en 'Sucedió una noche'. Claudette Colbert interpreta a Ellie,  una rica mimada que huye de las garras de su padre para regresar a los brazos de un aviador que ama. En el camino se encuentra con Peter (Clark Gable), un periodista que con ella se topa con la historia del año. Se ofrece a ocultarla y ayudarla hasta llegar a Nueva York a cambio de los derechos exclusivos de la historia de su huida. Al no tener ella dinero ni experiencia viajando en el mundo real, Ellie acepta a regañadientes. Con dificultades, Peter intenta ocultar a Ellie salvándola de situaciones bastante difíciles dada la fama de ella.

'Spider-Man: Homecoming', la responsabilidad

'Spider-Man: Homecomig' (íd., Jon Watts, 2017) es el segundo reboot que se realiza sobre el trepamuros de Marvel. A priori casi todos pensamos que era excesivo comenzar por tercera vez las aventuras del hombre araña, pero lo cierto es que el film ofrece un inesperado lavado de cara del personaje después de la afrenta sufrida por los dos lamentables films de Marc Webb, aunque los mismos tuvieran una baza a tener en cuenta: la pareja protagonista formada por Andrew Garfield y Emma Stone. Afortunadamente, el presente trabajo, que integra ya a Spider-Man dentro del universo Marvel, depara alguna sorpresa dentro de su atrevida, y lógica, propuesta.

Cualquier aficionado a los cómics, y también muchos de los que no están inmersos en el llamado noveno arte, conocen los orígenes de los superhéroes más famosos y algunas de las anécdotas que les rodean. Sin ir más lejos, a mí siempre me impactó la muerte del tío Ben dentro de la biografía de Peter Parker, por producirse de forma totalmente irónica. Es su tío quien dice a Peter la ya archifamosa frase "tener un gran poder lleva consigo una gran responsabilidad, precisamente la que Parker, siendo su alter ego, no tiene cuando deja escapar a un ladrón porque "no es asunto suyo". La muerte de Ben marcará para siempre a nuestro héroe.

El fuego y la palabra - La hipocresía de la fe

Lo primero que sorprende a la hora de ver 'El fuego y la palabra' es una nota con una advertencia de productores en la cual dicen que los niños no deberían ver esta película. En apariencia, una película sobre la religión no debería ser algo que causase tanto alboroto y en concreto tratándose de un borracho con mucha labia, que se vuelve predicador para seducir a una 'ministra del señor'. Pero es un ser lujurioso y su pasado escabroso se vuelve contra él. Tal vez no sería recomendable para los niños de aquella época pero los de ahora, como dice la expresión 'están curados de espanto'. No es de extrañar que el libro, publicado en 1927 por Sinclair Lewis, fuera prohibido en algunos lugares de Estados Unidos por cuestionar la 'verdadera fé. Richard Brooks tuvo un período imponente donde rodó estupendas películas como 'Semilla de maldad', 'A sangre fría', 'Los hermanos Karamazov', 'La gata sobre el tejado de zinc', 'Dulce pájaro de juventud' y 'Lord Jim'.  En esos títulos se denota su afición por la adaptación de obras literarias. 'El fuego y la palabra' fue la primera producción independiente de Brooks y decidió adaptar solo una parte de la novela de Lewis, pasando dos años escribiendo el guión, con el cual ganó un Oscar. No fue una adaptación fácil y más aún en una época en la cual la censura del Código Hays estaba presente aunque fueran sus últimos días.

Quo Vadis - Nerón enciende a la cristiandad

'Quo Vadis' fue una de esas películas que dieron lugar a la reaparación del subgénero de toga y sandalias o más popularmente conocido como "peplum", aunque 'Quo Vadis' se distancia bastante de las películas conocidas con ese nombre. Durante los años 40 y sobrepasando los 60, hubo infinidad de películas de ese estilo como 'Sansón y Dalila', 'La túnica sagrada', 'Demetrius y los gladiadores', 'Ben-Hur', 'La caída del Imperio Romano', 'Los Diez Mandamientos', 'Espartaco', etc. Todas ellas guardaban similitudes, no sólo de contexto histórico sino también por ser cine espectáculo, de una colosidad y magnitud de producción enormes. Era un intento para contrarestar el enorme éxito de la televisión, siendo exitoso ya que fue la película más taquillera de la MGM después de 'Lo que el viento se llevo'

Sólo se vive una vez - Huida Desesperada

'Sólo se vive una vez' (no confundir con ninguna película Bond) fue la segunda película que dirigió el gran director alemán Fritz Lang en Estados Unidos. Su primera película fue 'Furia', protagonizada por Spencer Tracy. Esas dos películas no sólo compartían director, sino también género: el negro. Lang fue uno de los pioneros en impulsar el noir, que tuvo su punto álgido en los años 50. Además también interviene en esas películas Sylvia Sidney, una actriz que fue musa del cineasta alemán durante sus primeros años en Estados Unidos y que también intervino en la tercera película americana de Lang 'Tú y yo'. Junto a ellos interviene un jovencísimo Henry Fonda en uno de sus primeros y más destacables papeles. Posteriormente volvió a actuar bajo la dirección de Lang en el western 'La Venganza de Frank James'..

'Stolen Face' y 'Mantrap', Terence Fisher y Paul Henreid

En la historia del cine británico el nombre de Terence Fisher debería figurar con letras de oro. Hablamos de uno de los más revolucionarios directores de su tiempo, casi siempre dentro del género fantástico, gracias a todas las películas que hizo para la mítica productora británica Hammer Films, cuya época de esplendor se sitúa entre finales de los años cincuenta —con el estreno de la estupenda 'La maldición de Frankestein' ('Curse of Frankenstein', 1957) y principios de los setenta, con los últimos films interesantes de la casa, de Roy Ward Baker o Peter Sasdy, entre otros.

Fisher fue, sin duda, el director estrella de la casa, aquel que dejó las mejores obras, y aunque su fama empezó a cimentarse con la espléndida película con Peter Cushing dando vida al temible barón Frankenstein, tuvo una primera etapa en la casa, prácticamente desconocida —tal vez habría que decir completamente ignorada—, en la que ya ponía sobre la mesa muchas de sus inquietudes, sobre todo a nivel temático, y casi siempre dentro del cine negro. 'Stolen Face' (1952) y 'Mantrap' (1953) son dos perfectos ejemplos de esa época fisheriana, ambas con Paul Henreid, el inolvidable marido tonto de Ingrid Bergman en 'Casablanca' (íd., Michael Curtiz, 1942).

Ninotchka - La muñeca rusa

En dos de las críticas publicadas en 'Aventureros de Medianoche'( Sólo los ángeles tienen alas y Amarga Victoria), comentábamos lo especial que fue 1939 para la historia del cine. Fue un punto de inflexión para todos los géneros y por supuesto también para uno de esos géneros que normalmente no ha estado bien valorado: la comedia. A mediados de los años 30 se fue cimentando en Hollywood la Screwball Comedy, es decir, la comedia de enredo. en 1935, 'Sucedió una noche' recibió cinco Oscar, entre ellos el de Mejor Película. También en aquellos años emergía la comedia sofisticada, en la cual los diálogos ingeniosos y una puesta de escena elegante incluían una sátira amable de las costumbres de la alta sociedad. Si hubo un director que se caracterizó por mezclar con sutilez y maestría tanto screwball comedy como comedia sofisticada ese fue Ernst Lubitsch.

La mansión encantada - El latido del terror

"Una vieja casa endemoniada de las llamadas encantadas es como un país sin descubrir esperando ser explorado. Hill House llevaba en pie 90 años y podría estar otros 90 más.El silencio reinaba entre la madera y los muros de Hill House. Lo que por allí anduviera andaba solo". Con estas enigmáticas palabras da comienzo 'La mansión encantada', catalogada en muchas ocasiones como una de las películas más terroríficas de la historia y la película de casas encantadas por excelencia. Es muy posible que para un espectador actual esa sensación aterradora no sea para tanto pero 'La mansión encantada' posee unos alardes técnicos y de dirección que sí la hacen un referente absoluto en como realizar una película de terror, de igual manera que 'Suspense' de Jack Clayton.

Irma la dulce - Una manera difícil de tener una vida fácil

En 1960, Billy Wilder estrenó 'El apartamento'. No solo es una de las mejores películas de su excelente filmografía, lo es también de la historia del cine. Fue un éxito de taquilla y público que funcionó, a parte de otros motivos, por la excelente pareja que formaban Jack Lemmon y Shirley McLaine. Tres años después los reunió de nuevo para 'Irma, la dulce' para realizar una nueva mirada cómica sobre el amor y las relaciones. 'Irma, la dulce' fue coproducida y coescrita por Billy Wilder junto con su habitual y casi inseparable I.A.L. Diamond y basándose en un musical creado en París en 1956 y cuyo libreto estaba escrito por Alexandre Breffort. Billy Wilder ya había probado con el musical en 1948 con 'El vals del emperador' sin mucha suerte y no tenía ganas de volver al género. A pesar de que las canciones desaparecieron por completo en la adaptación, 'Irma, la dulce' tiene la atmósfera de un musical debido principalmente a su historia. I.A.L. Diamond comentó: "La prostituta es una de las figuras más difundidas en la literatura y siempre ha tenido una fascinación peculiar para los escritores y el público. En el cine, se suele interpretrar como una 'anfitriona' o una figura trágica apoyada en una farola. Sean cuales fueran sus problemas personales, son un grupo de gente muy particular y este es el espíritu que hemos intentado capturar en la pantalla"

Al rojo vivo - En la cima del mundo

Cuando 'Al rojo vivo' se estrenó allá por 1949, las películas de gángsters habían pasado a un segundo plano en el cine americano. Estados Unidos venía de luchar una espantosa guerra. Los efectos de la Gran Depresión ya comenzaban a disminuir al igual que la popularidad del género. Mientras que en la época anterior al Codigo Hays (que se aplicó en 1934) se presentaba al gángster como el arquetipo de un moderno Robin Hood. En la era de Roosvelt el gángster y su época eran considerados como reliquias de un pasado sin ley. En películas como Enemigo Público (1931), Angeles con caras sucias (1938) o Los Violentos Años Veinte (1939), a menudo existen fuertes implicaciones de que el crimen es un factor desestabilizante a nivel económico y social y que traía consigo prejuicios culturales, el acceso desigual a las oportunidades, la miseria urbana y las promesas rotas. Por lo tanto, los gángsters del período clásico de Hollywood se originan principalmente en la clase obrera y los barrios de inmigrantes de después de la Primera Guerra Mundial donde el desempleo, la miseria y el hambre abundaban. Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, el género fue derivando más a películas de detectives y sobretodo absorvido en el nuevo género que apareció en aquellos años: El Noir.